Animation 2D (dessin animé)

L'accroche et l'intro

• Ouvrir sur le personnage en action, dans une situation claire dès la 1re seconde (le public s'attache aux visages, même dessinés).
• Pas de logo animé long : 2-3 s maximum, ou logo à la fin pour les formats réseaux.
• Poser le problème en 5-10 s : « Awa a de la fièvre depuis 3 jours… »
• Série : générique chanté de 20-30 s, identique à chaque épisode.

La structure

• Capsule sensibilisation de 90 s : 0-5 s accroche (personnage + problème) / 5-30 s situation / 30-70 s solution ou apprentissage / 70-85 s résultat positif / 85-90 s message + logo.
• Épisode de 11 min : cold open 30-60 s / générique 20 s / 3 actes de 3 min / fin et morale 30 s / générique 20 s.
• 1 idée par capsule ; personnages récurrents pour une série de capsules.
• Écrire le script, puis valider le storyboard et l'animatique avant toute animation (on ne revient pas en arrière à coût nul).

Le ton et le style

• Style graphique défini dans une bible : ligne claire ou sans contour, palette de 6-12 couleurs, proportions des personnages (ex. 3-4 têtes de haut pour un public enfant).
• Représentation locale : personnages, tenues (boubous, taille-basse), décors (cours de maison, marchés, cars rapides) et couleurs du Sénégal.
• Rythme dynamique, expressions exagérées (squash & stretch, anticipation, exagération : 12 principes de l'animation).
• Références : Kirikou (Michel Ocelot), Aya de Yopougon, séries africaines (Iwájú, Supa Team 4), styles flat modernes.

L'habillage et les textes

• Titre dessiné à la main ou typographie arrondie cohérente avec le style graphique, 2-3 s.
• Textes intégrés au décor (enseignes, affiches) plutôt que textes plaqués.
• Message clé en carton final, 6-10 mots, 3-4 s, police lisible (Poppins, Montserrat, ou police de la charte).
• Logo du commanditaire à la fin uniquement (3 s), sauf exigence contractuelle.

La fin et l'appel à l'action

• Morale ou message clé énoncé par le personnage (plus mémorable qu'une voix off).
• Carton final avec le geste à retenir ou le numéro utile (ex. numéro vert santé), 4-5 s.
• Logos partenaires 3 s, puis écran de fin YouTube 20 s pour une série.
• Version réseaux : CTA en texte (« Partage à tes proches ») et logo 2 s.

Le matériel

• Entrée de gamme : PC ou Mac (16 Go RAM, carte graphique récente) + tablette graphique XP-Pen ou Wacom Intuos ; logiciels gratuits Krita, OpenToonz, Blender Grease Pencil ; montage DaVinci Resolve.
• Pro : Toon Boom Harmony (rig et image par image, standard des séries TV) ou Adobe Animate, Photoshop pour les décors, After Effects pour le compositing ; écran à stylet Wacom Cintiq 16-24 pouces.
• Option mobile : iPad Pro + Apple Pencil avec Procreate Dreams ou Rough Animator pour l'image par image.
• Voix : micro large membrane Rode NT1 ou Audio-Technica AT2020 + interface Focusrite Scarlett + filtre anti-pop.
• Onduleur (UPS) 1000-1500 VA obligatoire pour ne pas perdre des heures de travail lors des coupures de courant ; sauvegarde automatique toutes les 5 min.

Plans et cadrage

• Storyboard complet : 1 case par plan (ou par changement d'action), avec cadrage, mouvement et dialogue ; 10-20 cases par minute.
• Mêmes valeurs de plans qu'en prise de vues réelle : plan large pour situer, plan moyen pour l'action, gros plan pour l'émotion.
• Layouts : définir le cadre, la perspective, les poses clés et la zone de sécurité (titre 90 %, action 93 %) ; prévoir une zone centrale utile pour le recadrage 9:16.
• Mouvements de caméra virtuels : panoramiques sur décor large, zooms, effet multiplan (parallaxe entre 3-5 couches de décor).
• Respecter la règle des 180° et les raccords de regard, comme en tournage.

La lumière

• La lumière est peinte : définir une color script (script couleur) pour tout le film, une vignette par séquence.
• Ombres portées et zones de lumière en calques séparés (multiply / screen) pour les ajuster au compositing.
• Codes d'ambiance : lumière chaude et dorée (fin d'après-midi à Dakar) pour la joie, bleutée pour la nuit ou la tristesse.
• Contraste de valeur entre personnages et décors : personnages plus saturés, décors plus doux pour la lisibilité.

La prise de son

• Enregistrer les voix AVANT d'animer (lip-sync calé sur la voix) : cabine ou pièce traitée (couvertures, matelas).
• Micro large membrane à 15-20 cm, filtre anti-pop, crêtes -12 à -6 dB, 24 bits/48 kHz.
• Comédiens voix : faire 3 prises par réplique avec intentions différentes ; enregistrer les réactions (rires, souffles, cris) à part.
• Versions wolof et français enregistrées séparément ; l'animation labiale se cale sur la langue principale.
• Room tone 15 s de la cabine pour le nettoyage.

La mise en scène

• Pipeline : script → voix témoins → storyboard → animatique (storyboard monté avec voix et musique temporaires) → design → layout → animation → compositing → son → export.
• Valider l'animatique avec le client avant l'animation (c'est la version « montée » du film à 80 %).
• Character sheets : poses de face, 3/4, profil, dos, 6-10 expressions, bouches pour le lip-sync (8-10 formes : A, E, O, M/B/P, F/V…).
• Nommer et organiser les fichiers (EP01_SC03_PL012_anim_v02) ; points de validation client à chaque étape.
• Contrats de cession de droits pour les voix, la musique et les designs.

Astuces de tournage

• Cadence : projet à 25 ips (TV Afrique/Europe) ; animation « en 2 » (12,5 dessins/s) pour la plupart des mouvements, « en 1 » pour les actions rapides.
• Travailler les poses clés et le timing d'abord (animation pose-à-pose), puis les intervalles.
• Rig 2D (cut-out) dans Harmony ou Moho pour produire vite une série ; image par image pour les moments forts.
• Rendus en séquences d'images PNG ou TIFF (avec alpha) plutôt qu'en vidéo : un plantage ne perd qu'une image.
• Préparer les décors à 1,5-2× la résolution finale (ex. 3840 px de large) pour les zooms et panoramiques.

Les pistes de la timeline

• 7 à 9 pistes au total dans le montage final (Premiere, Resolve).
• V1 : plans d'animation rendus (ou animatique en attendant) ; V2 : effets (poussière, lumière, particules) ; V3 : titres et textes ; V4 : logo et carton final.
• A1 : voix des personnages ; A2 : voix off/narrateur.
• A3 : bruitages et SFX ; A4 : ambiances ; A5 : musique.
• Remplacer l'animatique plan par plan dans la même timeline pour garder le montage validé.

Le rythme et les coupes

• Montage fait à l'animatique : durée de chaque plan fixée avant d'animer (2-5 s en moyenne).
• Couper sur l'action et sur les poses fortes ; laisser 6-12 images de pause sur une expression comique.
• Ajouter 4-8 images de marge (handles) en début et fin de plan animé pour affiner au montage.
• Capsule réseaux : plans de 1,5-3 s ; série TV : 3-5 s.

Transitions et effets

• Coupes franches ; transitions graphiques propres au style (iris, volet dessiné, morphing d'une forme).
• Effets animés à la main (fumée, poussière, étincelles, lignes de vitesse) plutôt que filtres automatiques.
• Flou de mouvement ou smears (images étirées) pour les actions rapides.
• Éviter les transitions de modèles vidéo standard qui cassent l'univers.

Le sound design

• Tout le son est à créer : bruitages de chaque action (pas, chutes, portes, objets), synchronisés à l'image près.
• SFX cartoon (boing, whoosh, pop, impact) pour la jeunesse et l'humour, à -12 à -6 dB.
• Ambiances réalistes (marché, cour, oiseaux, mer) à -25 à -30 dB pour ancrer les décors.
• Bibliothèques : Soundly, Epidemic Sound, Freesound (vérifier la licence) ou enregistrement maison.

La musique

• Musique originale ou libre de droits enjouée : afropop, mbalax instrumental, ukulélé et percussions, 100-130 BPM.
• Mickey-mousing (musique qui ponctue les actions) pour la jeunesse et le comique.
• Sous les voix : -20 à -25 dB avec ducking.
• Générique chanté pour une série (mémorisation) ; droits cédés pour TV, Web et éducation.

Les sous-titres

• Version réseaux : sous-titres incrustés 55-70 px en 9:16 (zone de sécurité 900×1400 px), 44-52 px en 16:9.
• Style arrondi et lisible, cohérent avec le graphisme (blanc contour foncé ou bandeau coloré).
• Préférer une version doublée (wolof, français, pulaar) plutôt que sous-titrée pour les enfants.
• Fichier SRT séparé pour YouTube et l'accessibilité.

L'étalonnage

• Pas d'étalonnage correctif : les couleurs sont définies au design ; vérifier la palette sur écran calibré (sRGB/Rec.709).
• Harmonisation au compositing : lumière d'ambiance, vignettage léger, grain de texture papier si le style le demande.
• Vérifier le contraste sur smartphone en plein soleil (usage fréquent) : éviter les tons moyens trop proches.
• Respecter les couleurs de la charte du commanditaire (valeurs HEX exactes).

Mixage et export

• Web : -14 LUFS, true peak -1 dBTP ; TV : -23 LUFS (EBU R128).
• Export master : ProRes 422 HQ ou séquence PNG, 1920×1080 25 ips ; Web : H.264 1080p 8-10 Mbps (l'animation en aplats compresse bien).
• Déclinaisons 9:16 et 1:1 (recadrage prévu au layout) ; GIF ou WebP courts pour WhatsApp et sites.
• Livrer les stems (voix, SFX, musique) pour les versions linguistiques.

Titre et miniature

• Miniature : personnage principal en grand avec une expression forte, fond coloré, 2-4 mots.
• Titre clair avec le sujet ou la morale (« Awa et le paludisme : les 3 gestes qui sauvent »).
• YouTube Kids : cocher « conçu pour les enfants » si c'est le cas (règles COPPA : pas de commentaires ni de pubs ciblées).
• Description : résumé, public visé, langues disponibles.

La publication

• Série : 1 épisode par semaine à heure fixe ; capsules ONG : diffusion massive sur une campagne de 2-4 semaines.
• Publier les versions wolof et français séparément (ou pistes audio multiples sur YouTube).
• Diffuser sur WhatsApp (groupes communautaires, relais associatifs) : canal principal des campagnes de sensibilisation.
• Recycler les personnages en stickers, GIF et visuels pour les réseaux.

• Commencer à animer sans animatique validée (retouches très coûteuses).
• Enregistrer les voix après l'animation (lip-sync approximatif).
• Personnages et décors qui ne représentent pas le public cible.
• Composer en 16:9 sans penser au recadrage vertical.
• Perdre du travail lors d'une coupure de courant faute d'onduleur et de sauvegardes.
• Sous-estimer le temps de production (1 minute d'animation peut prendre 1 à 4 semaines).