Documentaire long métrage

L'accroche et l'intro

• Ouvrir par une scène forte et sensorielle avant tout titre (cold open de 1 à 3 min) : un moment vécu, pas une explication.
• Poser la question centrale du film dans les 5 premières minutes : « Pourquoi les jeunes de Kayar quittent-ils la pêche ? »
• Présenter le personnage principal en action, dans son décor, avant de lui donner la parole face caméra.
• Titre du film en carton sobre après le cold open (5-8 s), sur fond noir ou plan large du territoire.
• Éviter la voix off d'introduction qui résume tout le film : laisser le spectateur découvrir.

La structure

• 0-3 min : cold open (scène forte) puis carton titre.
• 3-15 min : acte 1, exposition, personnages, lieu, enjeu, question dramatique.
• 15-60 min : acte 2, développement, obstacles, points de vue contradictoires, 2-3 séquences pivots, archives.
• 60-80 min : acte 3, climax et résolution, l'événement attendu (récolte, procès, retour, élection), conséquences.
• 80-85 min : épilogue (plan de fin contemplatif, cartons « Que sont-ils devenus ? ») puis générique de 2-4 min.

Le ton et le style

• Cinéma du réel : observation patiente, plans longs de 8-20 s, respect du silence.
• Choisir un mode dominant : observationnel (sans voix off), participatif (le réalisateur à l'écran) ou expositif (voix off + interviews).
• Esthétique cinématographique : faible profondeur de champ, lumière naturelle, compositions travaillées.
• Références : Ousmane Sembène pour le regard social, « Atlantique » (Mati Diop) pour l'atmosphère, « Dahomey » pour l'archive vivante.
• Rythme lent en acte 1, qui s'accélère vers le climax ; toujours laisser respirer après une émotion forte.

L'habillage et les textes

• Typographie unique et sobre (serif élégante ou sans-serif fine), blanc cassé, jamais plus de 2 graisses.
• Lower-thirds minimalistes : nom + rôle (« Awa Ndiaye, mareyeuse ») en 36-42 px sur 1080p, 4-5 s, une seule fois par personnage.
• Cartons de contexte (date, lieu) en bas à gauche, 3-4 s : « Saint-Louis, juillet 2025 ».
• Chapitres possibles en cartons plein écran (3 s) pour les films en parties.
• Logos des partenaires et financeurs uniquement au générique de fin (et carton d'ouverture si exigé par le financeur).

La fin et l'appel à l'action

• Dernier plan contemplatif de 15-30 s qui répond visuellement au premier plan (effet miroir).
• Cartons épilogue : 2-4 cartons de 5-6 s sur ce que sont devenus les personnages ou un chiffre clé.
• Dédicace éventuelle, puis générique déroulant de 2-4 min (équipe, participants, remerciements, crédits musique et archives).
• CTA pour les versions ONG : carton final « Pour agir : site / numéro WhatsApp » de 8-10 s.

Le matériel

• Entrée de gamme : Sony FX30 ou Panasonic GH6/S5 II, zooms 16-50 mm et 70-200 mm, gimbal DJI RS 4, 2 micros HF Sennheiser EW-D ou DJI Mic 2, perche + Rode NTG5, enregistreur Zoom F3, 2 panneaux LED bicolores.
• Pro : Sony FX6/FX9 ou Canon C70/C300 III, zooms 24-70 mm f/2.8 et 70-200 mm f/2.8, optiques fixes 35/50/85 mm, enregistreur Sound Devices MixPre-6 II, Sennheiser MKH 416/8060, HF Lectrosonics, Aputure 600d + softbox, drone DJI Mavic 3 Pro.
• Batteries en quantité (8-12 par caméra) et station de charge sur batterie/groupe : les coupures et zones rurales sans courant sont la règle.
• Filtres ND variables (2-8 stops) indispensables sous le soleil sénégalais pour garder f/2.8 et 1/50 s.
• Double stockage : 2 disques SSD + 1 copie cloud/bureau ; prévoir 2 à 4 To par semaine de tournage en 4K.

Plans et cadrage

• Plans d'installation du territoire : très larges au drone ou au 16-24 mm, 10-20 s fixes (village, fleuve, marché).
• Scènes d'observation : caméra épaule ou monopode au 24-70 mm, à hauteur d'yeux, suivre l'action sans la diriger.
• Interviews : plan moyen poitrine au 50-85 mm, sujet sur le tiers, regard hors-champ vers l'intervieweur à côté de l'objectif.
• Gros plans de détails (mains, outils, visages) au 85-135 mm pour la texture et les coupes.
• Plans de coupe (B-roll) : 3 à 5 par séquence, chacun de 10 s minimum, avec entrée et sortie de champ.
• Tourner un ratio de 30:1 à 100:1 (heures de rushes / minutes de film) : ne pas économiser sur les scènes vécues.

La lumière

• Privilégier la lumière naturelle : tourner les extérieurs avant 10 h et après 16 h 30, éviter le soleil zénithal de 12 h-15 h.
• Au soleil dur : placer le sujet dos au soleil (contre-jour doux) et déboucher le visage avec un réflecteur blanc/or.
• Interviews en intérieur : schéma 3 points discret, key LED 5600 K en softbox à 45°, fill ou réflecteur à -2 stops, contre-jour léger.
• Balance des blancs manuelle (5600 K extérieur, 3200-4300 K intérieur), jamais en automatique pour garder la cohérence des séquences.
• Peaux foncées : exposer pour le visage (zebras à 70-75 % sur la peau éclairée), ne pas sous-exposer pour sauver le ciel.

La prise de son

• Double système : HF cravate sur les personnages principaux + perche canon (NTG5, MKH 416) à 50-80 cm au-dessus de la tête.
• Niveaux : crêtes entre -12 et -6 dB, enregistrement 48 kHz / 24 bits (idéalement 32 bits flottant).
• Enregistrer 30-60 s de room tone et d'ambiance à chaque lieu (marché, mer, mosquée, vent) pour le montage.
• Piste de sécurité à -6 dB sous la piste principale ; claquer ou synchroniser le timecode entre caméra et enregistreur.
• Protéger les micros du vent (bonnette poilue) : l'harmattan et la brise côtière ruinent les prises extérieures.

La mise en scène

• Phase de repérage et d'immersion (1-4 semaines) sans caméra ou avec caméra discrète pour gagner la confiance.
• Rédiger un traitement (5-15 pages) puis une continuité de tournage souple ; le film se réécrit au montage.
• Autorisations : droit à l'image signé (français et wolof lus à voix haute), autorisation de tournage (Direction de la Cinématographie), accord du chef de village ou de l'imam.
• Ne pas faire rejouer les scènes : si besoin, demander de « refaire le geste » sans dialogue.
• Prévoir un fixeur/traducteur local pour les langues (wolof, pulaar, sérère, diola) et la médiation.

Astuces de tournage

• Tourner en 4K 25 ips, obturateur 1/50 s (règle 180°), en S-Log3/S-Cinetone ou V-Log pour 12-14 stops de dynamique.
• ISO natif de la caméra (FX30 : 800 / 2500) et ND variable pour régler l'exposition.
• Laisser tourner 5 s avant et après chaque action : le montage a besoin de marges.
• Tenir un journal de tournage quotidien (scènes, personnages, timecodes clés) : il sauve des semaines au dérushage.
• Protéger le matériel de la poussière et de la chaleur : sacs étanches, glacière (sans glace) pour les batteries, ne pas changer d'objectif en plein vent.

Les pistes de la timeline

• 10 à 16 pistes au total, avec une timeline par séquence puis une timeline maître assemblée.
• V1 : scènes principales et interviews / V2 : B-roll et plans de coupe / V3 : archives et documents (photos, journaux).
• V4 : cartons, lower-thirds et sous-titres de traduction / V5 : titres et générique.
• A1-A2 : dialogues HF et perche / A3 : voix off ou narration / A4-A5 : ambiances stéréo.
• A6 : bruitages et SFX / A7-A8 : musique originale en stems (mélodie, nappes) ; bus séparés dialogues/musique/effets pour les versions internationales (M&E).

Le rythme et les coupes

• Durée moyenne des plans : 5-12 s ; jusqu'à 20-30 s pour les plans contemplatifs.
• Utiliser L-cuts et J-cuts systématiquement : le son de la scène suivante arrive 1-2 s avant l'image.
• Pas de jump cuts dans les interviews : masquer les coupes par du B-roll.
• Monter d'abord un bout-à-bout de 3-4 h, puis un premier montage de 2 h, puis resserrer au format visé.
• Alterner séquences tendues et respirations de 20-40 s (paysage, musique) toutes les 8-12 min.

Transitions et effets

• Cut franc par défaut ; fondu enchaîné (1-2 s) uniquement pour marquer une ellipse de temps.
• Fondu au noir de 1-2 s entre les actes ou chapitres.
• Animation d'archives photo (effet Ken Burns lent, 5-10 % de zoom sur 8 s) et parallaxe légère.
• Ralenti ponctuel (tourné en 50 ou 100 ips) pour les moments de grâce, jamais en effet gratuit.
• Éviter les transitions stylisées (glitch, zoom rapide, balayages) qui cassent le réel.

Le sound design

• Reconstruire les ambiances à chaque séquence : 2-3 couches (fond, éléments ponctuels, détails) autour de -30 à -25 dB.
• Bruitages ponctuels discrets (pas, porte, pirogue, vent) pour enrichir les plans muets.
• Utiliser le silence ou le son seul comme effet dramatique avant un climax.
• Riser grave et doux (5-10 s) avant une révélation ; jamais de whoosh ou de pop de style réseaux sociaux.

La musique

• Musique originale de préférence (compositeur local : kora, xalam, sabar, nappes électroniques) ; 15-30 % du film en musique maximum.
• Tempo lent à modéré (60-90 BPM) pour les séquences contemplatives, 100-120 BPM pour les montées.
• Sous la voix : ducking -18 à -24 dB ; musique seule à environ -18 LUFS court terme.
• Droits : contrat de synchronisation écrit avec les artistes ou bibliothèques sous licence (Artlist, Musicbed, Epidemic) ; déclarer les œuvres à la SODAV.
• Livrer la musique en stems pour pouvoir remixer par séquence.

Les sous-titres

• Sous-titres de traduction obligatoires pour le wolof/pulaar/sérère : version française + version anglaise pour les festivals.
• Style classique cinéma : blanc, contour ou ombre légère, 42-48 px en 1080p, bas centré, 2 lignes maximum, 42 caractères par ligne.
• Durée : 1 à 6 s par sous-titre, 15-17 caractères par seconde maximum.
• Livrer des fichiers séparés (.srt pour le web, .stl ou .xml pour la TV) plutôt que des sous-titres incrustés sur le master.

L'étalonnage

• Correction primaire d'abord : conversion Log → Rec.709 (transformation couleur DaVinci), exposition, balance, raccord entre caméras.
• Look ensuite : palette cohérente par acte (chaude pour l'intime, plus froide pour la tension), contraste doux, noirs légèrement relevés.
• Tons chair : surveiller la ligne des tons chair au vecteurscope, éviter les peaux foncées grises ou orangées ; qualifier et protéger les visages.
• Étalonnage en salle calibrée ou sur moniteur de référence ; prévoir 5-10 jours pour un 90 min.

Mixage et export

• Mix TV : -23 LUFS intégré (EBU R128), true peak -1 dBTP ; mix cinéma : dialogues autour de -27 LKFS, 5.1 si budget.
• Master : ProRes 422 HQ, 3840×2160 ou 1920×1080, 25 ips, audio PCM 48 kHz 24 bits ; stems D/M/E séparés et version M&E.
• Festival : DCP 2K (1998×1080, 24 ips) ou ProRes selon le règlement ; web : H.264, 1080p, 10-12 Mbps, audio à -14 LUFS.
• Déclinaisons : bande-annonce 90-120 s (16:9), teasers 30 s et 60 s en 9:16, extraits de 2-3 min.

Titre et miniature

• Titre court et évocateur (1-4 mots), pas descriptif : « Pirogues », « Le dernier griot ».
• Affiche : un portrait fort du personnage principal ou une image-symbole, titre en grand, lauriers des festivals obtenus.
• Synopsis court (3 lignes) et long (1 page) prêts pour festivals, presse et plateformes.
• Sur YouTube : miniature avec visage expressif + 2-3 mots maximum ; description avec chapitres horodatés.

La publication

• Stratégie de fenêtres : festivals d'abord (12-18 mois), puis TV/plateformes, puis YouTube/projections communautaires.
• Ne pas publier le film en ligne avant les festivals : la plupart exigent l'exclusivité ou une première.
• Teasers et extraits réguliers sur Instagram/TikTok/Facebook et en Status WhatsApp pour construire l'audience.
• Organiser une avant-première à Dakar (Institut français, Maison de la culture Douta Seck) et des projections dans les lieux du tournage.

• Tourner sans sujet ni question claire : 200 h de rushes impossibles à monter.
• Voix off omniprésente qui explique tout à la place des images.
• Oublier les autorisations et droits à l'image : blocage à la diffusion TV ou festival.
• Son négligé (vent, climatiseur, groupe électrogène) : un film au son sale est refusé.
• Musique non déclarée ou non libre de droits : film bloqué sur YouTube et plateformes.
• Sous-estimer la post-production : le montage prend souvent plus de temps que le tournage.