Clip musical

L'accroche et l'intro

• Image forte et singulière dans les 3 premières secondes (plan signature, lieu spectaculaire, costume marquant) : c'est ce qui sera vu en aperçu et en teaser.
• Soit une intro narrative courte (5-20 s de scène jouée avec dialogue ou ambiance) avant le début de la musique, soit démarrage direct sur l'intro du morceau.
• Carton titre stylisé : nom de l'artiste + titre + « feat. » éventuel, 3-4 s, intégré à l'image (sur un mur, un néon, un objet).
• L'artiste apparaît au plus tard sur le premier couplet (avant 20 s).

La structure

• Calquer la structure sur le morceau : intro (0-15 s) / couplet 1 / refrain / couplet 2 / refrain / pont / refrain final / outro.
• Intro : poser l'univers et le lieu (plans larges, atmosphère).
• Couplets : narration ou performance en décor secondaire, montage plus posé.
• Refrains : décor principal, énergie maximale, chorégraphie ou foule, coupes sur le temps.
• Pont : rupture visuelle (ralenti, changement de lumière ou de couleur) ; refrain final : climax et tous les éléments réunis ; outro 5-15 s.

Le ton et le style

• Direction artistique définie par un moodboard (couleurs, costumes, lieux, références) validé avec l'artiste et son label.
• Adapter au genre : mbalax et afro-pop = couleurs vives, danse, fête populaire ; rap galsen = urbain, contrasté, plans larges de quartier ; gospel/acoustique = lumière douce, sobriété.
• Mettre en valeur des lieux identitaires : Médina, Île de Gorée, Monument de la Renaissance, lac Rose, corniche, marchés, désert de Lompoul.
• Références : clips de Wally Seck, Youssou Ndour, Burna Boy, Aya Nakamura, réalisateurs comme Meji Alabi ou Director K.

L'habillage et les textes

• Carton titre en ouverture (3-4 s) dans une typographie propre à l'univers du morceau.
• Crédits discrets à la fin : réalisateur, production, label, lieux (5-10 s) ; ou en surimpression sur l'outro.
• Pas de logo de l'agence pendant le clip, sauf accord (petit crédit final).
• Paroles à l'écran seulement ponctuellement (mot-clé du refrain) si choix artistique.
• Mention « Official Music Video » dans le titre YouTube, pas à l'image.

La fin et l'appel à l'action

• Plan final signature (regard caméra, départ de l'artiste, retour à la scène d'ouverture) sur l'outro.
• Crédits 5-10 s puis carton « Disponible sur toutes les plateformes » avec logos Spotify, Apple Music, Boomplay, Audiomack.
• Écran de fin YouTube 15-20 s : prochain clip / playlist de l'artiste + abonnement.
• Éventuellement teaser du prochain titre (5-10 s) après les crédits.

Le matériel

• Entrée de gamme : Sony FX30 ou Panasonic GH6/GH7, zooms 16-35 mm + 50 mm f/1.8, gimbal DJI RS 4, 2 LED 200 W + tubes RGB (Nanlite PavoTube), drone DJI Mini 4 Pro (autorisation nécessaire).
• Pro : Sony FX6/FX3 ou Blackmagic Cinema Camera 6K, RED Komodo ; optiques fixes cinéma (Sigma Cine, DZOFilm Vespid 25/35/50/85 mm) ou anamorphiques.
• Machinerie : slider, travelling sur rails, grue ou Ronin 2, steadicam ; drone DJI Mavic 3 Cine pour les plans aériens.
• Lumière pro : Aputure 600d/1200d, Nova/Titan tubes RGB, machine à fumée ou à brume (hazer), réflecteurs 5-en-1 et cadres de diffusion 2×2 m.
• Son de lecture : enceinte bluetooth puissante (JBL PartyBox) pour le playback + téléphone avec le morceau et un bip de synchronisation ; groupe électrogène silencieux ou batteries V-mount.

Plans et cadrage

• Performance face caméra de l'artiste sur l'intégralité du morceau dans chaque décor (au moins 3 passes : plan large, plan moyen, gros plan).
• Gros plans visage et lèvres pour les phrases fortes ; plans de détails (bijoux, mains, chaussures, micro).
• Mouvements : travelling avant lent, orbite à 360° au gimbal, plans en contre-plongée (grand-angle 16-24 mm) pour la puissance.
• Plans aériens de drone pour situer et donner de l'ampleur (15-20 s au total).
• Scènes narratives : champ/contrechamp, inserts, B-roll d'ambiance (rue, foule, danseurs, figurants).
• Prévoir des plans verticaux (ou cadrés au centre) exploitables pour TikTok/Reels.

La lumière

• Extérieur jour : éviter 11 h-15 h (soleil zénithal) ; privilégier l'heure dorée (7 h-8 h 30 et 17 h 30-19 h à Dakar) et le contre-jour avec réflecteur.
• Nuit : ambiances colorées (RGB), néons, contre-jours, brume pour matérialiser les faisceaux ; key douce sur le visage de l'artiste.
• Peaux foncées : lumière douce et assez puissante, reflets de peau contrôlés (poudre, maquillage matifiant), ne pas sous-exposer.
• Mélanges de température assumés (3200K chaud sur l'artiste / 5600K-6500K froid en ambiance) pour la profondeur.
• Harmattan (déc.-mars) : ciel voilé, lumière diffuse ; protéger optiques et capteur de la poussière.

La prise de son

• Playback : diffuser le morceau à fort volume sur enceinte, synchronisé ; l'artiste chante réellement pour que les lèvres et le cou soient crédibles.
• Enregistrer le son caméra (micro interne ou canon) pour la synchronisation par forme d'onde au montage.
• Commencer chaque prise par un clap ou un bip au début du morceau (ou lire le morceau depuis un timecode).
• Scènes narratives avec dialogue : micro cravate ou perche, crêtes -12 à -6 dB, room tone de 30 s.
• Pour les ralentis (tournés en 50 ips), lire le morceau en vitesse x2 afin que les lèvres soient synchrones au ralenti.

La mise en scène

• Traitement écrit (1-2 pages) + moodboard + découpage technique par section du morceau, validés par l'artiste et le label.
• Repérages avec photo des lieux à l'heure prévue ; autorisations (mairie, police, propriétaires ; drone : autorisation ANACIM) et droit à l'image des figurants.
• Plan de travail par décor, avec heures de lumière ; prévoir 3-4 changements de tenue et le temps de maquillage (30-45 min chacun).
• Casting de danseurs et figurants, chorégraphe si danse ; répétition avec le morceau la veille.
• Gérer la foule curieuse en extérieur à Dakar : régisseur dédié, tournage tôt le matin.

Astuces de tournage

• 25 ips à 1/50 s pour la performance ; 50 ips à 1/100 s (ou 100/120 ips) pour les ralentis ; morceau en x2 pour les plans à ralentir.
• Tourner en log 10 bits (S-Log3, V-Log, BRAW) pour l'étalonnage ; filtre ND variable pour garder f/2-f/2.8 en plein soleil et respecter 1/50 s.
• Tourner des « passes » complètes du morceau par décor et par valeur de plan : le montage doit avoir le choix.
• Monitorer avec LUT de visualisation et fausses couleurs pour exposer les peaux correctement.
• Cartes et SSD en double (sauvegarde sur place sur 2 disques) ; le volume de rushs dépasse souvent 500 Go.

Les pistes de la timeline

• 6 à 10 pistes vidéo selon les calques, 2-3 pistes audio.
• V1 : performance artiste (multicam des passes synchronisées sur le morceau) ; V2 : narration / scènes jouées ; V3 : B-roll, drone, danseurs.
• V4 : VFX, overlays (poussière, light leaks, grain) ; V5 : carton titre, crédits, écran de fin.
• A1 : morceau master (piste de référence, jamais modifiée) ; A2 : sons de scènes narratives et dialogues.
• A3 : SFX et ambiances pour l'intro narrative ; placer des marqueurs sur chaque temps fort, changement de section et drop.

Le rythme et les coupes

• Couper sur le tempo : 1 coupe par mesure (4 temps) en couplet, toutes les 1-2 temps au refrain ; à 100 BPM, 1 mesure = 2,4 s.
• Plans de 1-3 s au refrain, 3-6 s dans les couplets et passages lents.
• Garder la synchro labiale parfaite ; décalage toléré de 1 image maximum.
• Varier les valeurs de plan à chaque coupe (large → serré) pour éviter les faux raccords.
• Respiration au pont : plans plus longs ou ralentis avant le refrain final.

Transitions et effets

• Transitions créatives motivées : passage de main devant l'objectif, whip pan, match cut sur un mouvement ou une forme.
• Speed ramps et ralentis 50 % sur les temps forts de la danse.
• Effets de style ponctuels : flash blanc sur un drop, glitch, stroboscope, dédoublement (échos), overlays de film.
• VFX si budget : incrustations, clones de l'artiste, éléments 3D ; les préparer au tournage (fond vert, repères).
• Éviter l'accumulation de transitions prédéfinies qui fait amateur.

Le sound design

• Le morceau master est la seule bande-son pendant la musique : ne pas y ajouter de SFX (sauf choix artistique validé par l'artiste).
• Intro/outro narratives : ambiances réelles (rue, mer, marché) à -24 dB, dialogues à -14 LUFS, SFX de scène.
• Transition narratif → musique : riser ou coupure nette sur le premier temps du morceau.
• Silence d'une demi-seconde ou filtre passe-bas (effet « étouffé ») pour une scène de rupture, si l'artiste l'accepte.

La musique

• Utiliser exclusivement le master final validé (WAV 24 bits / 48 kHz) fourni par le studio, jamais un MP3 compressé.
• Ne jamais modifier le mix ni le niveau du master ; le mastering fixe déjà le loudness (souvent -9 à -7 LUFS, YouTube normalisera à -14).
• Relever le tempo (BPM) et la structure (timecodes des sections) dès le début du montage.
• Droits : vérifier que le label/artiste détient les droits du morceau et des samples ; enregistrer l'œuvre à la SODAV et le clip dans YouTube Content ID via le distributeur.

Les sous-titres

• En général pas de sous-titres incrustés sur un clip ; ajouter un fichier .srt de paroles (wolof/français/anglais) sur YouTube pour l'international.
• Scènes narratives en wolof : sous-titres français incrustés classiques, 40-44 px, 2 lignes.
• Teasers verticaux : paroles du refrain en karaoké (64-80 px) dans la zone de sécurité 900×1400 px.
• Soigner l'orthographe du wolof (transcription officielle ou usage de l'artiste).

L'étalonnage

• Correction primaire : exposition, balance, raccord des caméras et des jours de tournage.
• Look créatif du clip (LUT de base puis réglages fins) : ex. teal & orange, couleurs saturées pop, noir et blanc contrasté, rendu pellicule avec grain.
• Protéger les tons chair : qualifier les peaux et les garder naturelles et lumineuses sous le look (pas de peau grise ou orange).
• Étalonner dans DaVinci Resolve avec nœuds séparés (correction / peau / look / grain), vérifier sur un moniteur calibré puis sur smartphone.

Mixage et export

• Audio : master du morceau inchangé ; intro narrative mixée pour s'enchaîner sans saut de volume (dialogue à -14 LUFS environ).
• Master : 3840×2160 ou 1920×1080, 25 ips, ProRes 422 HQ ; YouTube : H.264 4K 40-45 Mbps (ou 1080p 10-12 Mbps), AAC 48 kHz 384 kbps.
• Télévision : 1920×1080i ou p 25, audio à -23 LUFS (EBU R128), selon les spécifications de la chaîne.
• Déclinaisons : teasers 15-30 s en 9:16 et 1:1, extrait du refrain de 10-15 s pour TikTok, visuel de couverture.

Titre et miniature

• Titre YouTube normalisé : « Artiste – Titre (feat. Invité) [Clip Officiel] » ou « Official Music Video ».
• Miniature : l'artiste en gros plan dans son look principal, image nette issue du clip ou photo de plateau ; peu ou pas de texte.
• Description : liens d'écoute (Spotify, Apple Music, Boomplay, Audiomack), crédits complets (réal, production, label), réseaux de l'artiste, paroles.
• Utiliser la fonction Première YouTube avec compte à rebours.

La publication

• Teasing 5-10 jours avant : 3-5 extraits verticaux, photos de tournage, compte à rebours.
• Sortie en Première YouTube le vendredi à 18 h-20 h (heure de Dakar) ou alignée sur la sortie audio.
• Lancer un challenge TikTok ou une danse sur le refrain avec le son officiel.
• Envoyer le clip aux télévisions (2STV, TFM, Trace) et playlists, et le partager en Statut WhatsApp avec lien.
• Publier les coulisses (making-of) 1-2 semaines après pour relancer.

• Désynchronisation labiale (artiste qui ne chante pas réellement au tournage).
• Tourner en plein soleil de midi : peaux brillantes, ombres dures sous les yeux.
• Pas assez de passes et de valeurs de plan : montage répétitif.
• Utiliser une version provisoire ou compressée du son.
• Absence d'autorisations (lieux, drone, figurants) : blocage du tournage ou retrait du clip.
• Tout miser sur YouTube sans formats verticaux pour TikTok/Reels.